Es el cineasta al que se le permite mayor libertad creativa. David Lynch nació en 1946 en Missoula, Montana, al noreste de Estados Unidos. Debido al trabajo de su padre, que era biólogo del Ministerio de Agricultura, la familia de Lynch tuvo que mudarse varias veces durante su infancia. Este fue el comienzo de su interés por las ciudades y los pueblos rurales y pequeños de Estados Unidos. Lynch suele recordar los diversos lugares donde vivió con cariño y el hecho de que su infancia y adolescencia ocurriera durante los años 50, una era de gran optimismo para los norteamericanos dejó también su marca en el cineasta, como en muchos otros estadounidenses.

 
Su primera vocación no fue el cine, sino la pintura, Se anotó en la escuela del Museo de Bellas Artes de Boston en 1964, luego viajo a Europa, retorno a Estados Unidos, se mudó a Filadelfia y se anotó en la Academia de Bellas Artes. Fue durante estos años que Lynch conoció a su primera mujer, Peggy, con la cual se casó en 1967, y vivieron en un barrio pobre y con mucha criminalidad. Lynch ha dicho que vivir en Filadelfia fue la mayor influencia de su vida. Esa sensación de vivir tan cerca del peligro y el miedo intenso que provocaba en comparación con la tranquila infancia de Lynch en los suburbios de clase media, dio forma a su visión de un Estados Unidos de fuertes contrastes que formaría el núcleo de sus películas.

El deseo de ver a sus pinturas moverse lo llevó a interesarse por la animación y en 1969 concluye “Thealphabet” que es un corto que une animación con imagen real y aborda una de las obsesiones del cine de Lynch, los sueños y las realidades oníricas, inspirado en el movimiento artístico del surrealismo y empiezan a generarse las marcas de su obra conocidas como Lynchiano que se convierte en un adjetivo que hace referencia a las obras de Lynch que se caracterizan por imágenes oníricas, un meticuloso diseño de sonido, imágenes extrañas, temas macabros y también puede emplearse para describir lugares, ropa, un sentimiento, incluso la actuación de un artista. Es un tono, una sensación, una atmósfera o una experiencia que se comprende perfectamente pero que no se puede describir del todo.

 
En 1970 realiza otro corto llamado “La abuela” que nos muestra un niño ignorado y golpeado por sus padres, que quieren buscar el cariño que le falta plantando unas semillas que hacen crecer una abuela. La lógica surrealista de esta historia, junto con los movimientos extraños de los personajes y los planos de detalle de la cara de los actores, conforman un efecto claustrofóbico y hasta terrorífico. En 1971 se mudó a Los Ángeles, para estudiar cine en el conservatorio de la AFI (American Film Institute).

 
Según “cineexplicacion” las obras de Lynch causan una impresión profunda en el espectador. Terminar de ver una película suya suele ser como despertarse de una pesadilla o un sueño muy extraño, confusión, miedo, desconcierto absoluto. El cine de Lynch puede gustar o no, pero difícilmente se olvida. Un elemento fundamental de la obra de Lynch es la dualidad. Sus protagonistas muchas veces esconden secretos perturbadores de los demás e incluso de sí mismos. Lynch proyecta la vida idílica de los suburbios estadounidenses, que transcurre entre sonrisas plásticas y cordialidad, generando un contraste con el crimen en las zonas industriales deprimidas. Lynchnarra situaciones o crea personajes extraños que llegan a sentir a veces que todos a su alrededor han sido poseídos por quién sabe qué fuerza demoníaca y que el mundo es un lugar muy peligroso.

Una marca distintiva del cine de Lynch no son las situaciones o los personajes sórdidos, sino el contraste. Esto se debe a que el cineasta nació y creció en pueblitos rurales de la América profunda.Los personajes de la obra de Lynch muchas veces no consiguen lidiar con ese contraste que vemos tanto en el mundo exterior como en su mundo interior, pues el hombre misterioso no sería más que una proyección siniestra de su mente. Es necesario desdoblarse para que los personajes puedan preservarse frente a sus propios demonios. Sin embargo, las situaciones en las que los personajes deben enfrentarse a su propia oscuridad no siempre provienen de algo que han hecho, sino de alguien que los empuja a ese lugar. Desde sus inicios, Lynch ha sido un cineasta muy hermético respecto a sus intenciones y sus motivaciones. El mismo ha dicho en varias ocasiones que normalmente, cuando tiene una idea, no sabe bien qué significa hasta que ha avanzado en su proceso creativo. Para él, el espectador solo debe preocuparse de su propia interpretación, de lo que experimenta al ver su obra.

Thomas Flight considera que en el estilo narrativo de David Lynch a menudo hay elementos que no tienen sentido: abstracciones, surrealismo y simbolismo, cuyo significado casi nunca queda claro de inmediato. A partir de sus interpretaciones concretas y singulares, la mayoría de la gente, cuando se encuentra con este tipo de historias, hace una de estas dos cosas: descartarla por frustranteo verse obligados de algún modoa buscar respuestas que le den sentido cuando se enfrentan a un material tan abstracto y extraño. Lynch ha dicho que una película es algo así como un libro, y los libros se escriben. Y puede que el autor fallezca. Así que no puedes ir a hablar con los escritores y decirles, ¿Qué querías decir?. Lynch es muy cauteloso a la hora de explicar, definir o elaborar el significado de su obra, y el considera que la película debe sostenerse por sí misma, y no debe añadirse ni quitarse nada. El proceso creativo de Lynch parece ser, según su propia descripción, básicamente sondear las profundidades de su subconsciente a través de la meditación. Gran parte de su obra no procede de un intento deliberado de elaborar imágenes e historias oníricas, sino de su propio proceso creativo enfrentado a esta apariencia. Es un autor que proporciona más preguntas que respuestas sobre su trabajo. Tanto los espectadores curiosos como los críticos suelen adoptar el papel de una especie de psicoanalista de sillón que intenta comprender la obra de Lynch tratando de comprender al propio Lynch. Existe un enfoque de la interpretación cinematográfica llamado interpretación sintomática. En pocas palabras, la interpretación sintomática trata de ver lo que una película dice sobre sus creadores, su tema o el contexto social. El que se hizo sin la intención consciente de los cineastas. La interpretación sintomática en el cine y la literatura procede en parte de la tradición del análisis freudiano de los sueños y del psicoanálisis en general, por lo que no es difícil entender por qué las películas de Lynch, con su calidad onírica y que guarda silencio sobre sus intenciones, provoca una especie de psicoanálisis de sillón y un intento de comprender la obra de Lynch tratando de entender su subconsciente. Quizás esto explique la fascinación y obsesión que los críticos parecen tener con la infancia y la educación de Lynch, quizás más que con cualquier otro director que se haya conocido. Por decirlo crudamente, parece que la gente quiere saber qué tipo de trauma infantil debió sufrir Lynch para producir una obra tan extraña y a menudo perturbadora. Sin duda hay algunas conexiones temáticas entre la vida de Lynch y su obra. Es la propia perspectiva de Lynch sobre el mundo que le rodea, no los entornos específicos en los que estuvo o los acontecimientos que le sucedieron, lo que da forma a las historias que cuenta y a la manera en que las cuenta.

 
Hay un video de Lynch en el que muestra imágenes de un gusano en su jardín. Lo que para la mayoría de la gente es un insecto arrastrándose por la tierra, a través de los ojos de Lynch se convierte en una epopeya bizarra y dramática. El gusano intentaba y luego se caía de nuevo y comenzaba a arrastrarse hacia arriba. Estaba tratando desesperadamente de llegar a algún sitio. Como resultado de su proceso de elaboración, esos sentimientos y cualidades que Lynch busca y saca a la luz a lo largo del camino son los que definen lo lynchiano.

 
Para apreciar plenamente una obra de Lynch, hay que dejar de lado la idea de que se está construyendo hacia un significado específico. No se trata de dónde estás al final. ¿Qué pasa con el proceso de llegar allí? Se trata de sumergirse en un estado de ánimo, un entorno, un sentimiento, y dejar que te invada... Nos relacionamos con todo tipo de arte sin exigir una interpretación y un significado únicos y claros. Pero por alguna razón esa es la forma en que a la mayoría de la gente le gusta relacionarse con el cine. Y a Lynch tal vez le gustaría poder explicarlo, pero la película acaba siendo la explicación.

 
El proceso de intentar interpretar o comprender una película suele implicar descubrir un significado oculto y expresarlo, y para ello se requiere una interpretación de ese significado en palabras. Pero Lynch intenta transmitir sentimientos e ideas que no se expresan fácilmente con palabras. Por eso, para él, el cine es el medio perfectopara esas ideas. El sentimiento es el significado. Para entender sus películas, hay que sentirlas.

David Lynch ha sido especialista en perturbar al espectador y atraparlo en su singular universo “lyncheano”, en el que predominan los sueños y las realidades oníricas inspiradas en el surrealismo.Suspelículas se alejan del prototipo de cine comercial y hacen que el público se sumerja en ellas para intentar comprender un mundo lleno de confusión, donde sobresale la exploración del universo interior del ser humano. Lynch es un maestro del séptimo arte y cada una de sus historias destaca por la dificultad de sus argumentos inverosímiles, una narrativa compleja y una puesta en escena sobresaliente.Su filmografía impactante y aterradora revela un talento descomunal, que solo puede ser comprendido con el visionado de sus obras, siendo uno de los directores con más personalidad del panorama cinematográfico. Entre sus películas podríamos destacar: Eraserhead(1977) que es su primer largometraje y cuyo rodaje se llevó cinco años. Su poco usual argumentogira en torno a un joven, Henry Spencer, que va a cenar a casa de su novia Mary. Allí se entera de que ella ha tenido un bebé suyo, un ser amorfoque emite ruidos extraños, al que Mary abandona y deja a su cargo.Es una película catalogada dentro del cine de culto, en la que algunas escenas resultan muy impactantes para el espectador. Es, precisamente, la imagen uno de los elementos más destacados del filme ya que recrea un mundo onírico y del subconsciente. El hombre elefante (1980) es su segundo largometraje y su argumento está basado en una historia real, la de Joseph Merrick, un hombre que se hizo popular por sus deformaciones congénitas. La historia gira entorno a Frederick Treves, un joven cirujano, que se encuentra con el hombre elefante durante un espectáculo circense de Londres. A partir de ese momento lo utiliza como ejemplo en sus charlas sobre medicina. El Film implica una temática de humanidad y la importancia de la belleza interior frente a los defectos físicos. Lo consigue a través de un personaje que inspira rechazo y que trata de vencer los prejuicios. Un mensaje universal que condecoró la carrera cinematográfica del director. Al igual que su opera prima, Eraserhead (1977), se rodó en blanco y negro y fue protagonizada por John Hurt, Anthony Hopkins y Anne Bancroft, El filme sorprendió a algunos miembros de la academia, obteniendo ocho nominaciones entre ellas a Mejor director y Mejor Guionadaptado para Lynch. A pesar de ser de sus obras más convencionales, para la época El hombre elefante resultó ser sórdida por lo que ni la Academia ni los Globos de Oro le otorgaron galardón alguno. Pero el maquillaje creado por Christopher Tucker fue tan elaborado que la Academia, al no poder premiarlo, decidió incluir en las siguientes ediciones la categoría de Mejor Maquillaje, la película es considerada una obra de culto.

 
Blue Velvet (1986), considerada una de sus mejores películas, Lynch la describe como “una historia de amor y de misterio. Trata de un tipo que se encuentra en dos mundos, uno agradable y el otro sombrío y aterrador” y es un retrato sobre la crueldad y la violencia sexual en la que pone de manifiesto el horror, los trastornos mentales y el lado más oscuro de la sociedad.

 
Wild at Heart (1990) es una adaptación de la novela homónima del escritor Barry Gifford y fue ganadora de la Palma de Oro en 1990 en el festival de cine de Cannes.Es una peculiar mezcla de roadmovie, (género cinematográfico en el que los protagonistas salen de casa en un viaje por carretera, y que altera la perspectiva de su vida cotidiana) surrealismo y cine policiaco, con un elenco enorme, en el que destacan Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, Isabella Rossellini y Harry Dean Stanton. Su violencia extrema, así como el ritmo salvaje con que se narra la historia, surgen como resultado del contexto temporal y espacial, mismo del que saldrían en poco tiempo obras como True Romance de Tony Scott, Natural Born Killers de Oliver Stone o Reservoir Dogs de Quentin Tarantino, todas ellas en deuda con la película de Lynch.

Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), su argumento gira en torno a la investigación del asesinato de la joven Teresa Banks y los últimos días de vida de Laura Palmer, una estudiante de secundaria, en la ficticia localidad de Twin Peaks. Es un filme hipnótico, feroz y, quizá, una versión más oscura y nutrida que la serie de TV que contiene escenas memorables.

 

 
LostHighway (1997), un film que se acerca al género de thriller psicológico con toques de cine negro.Narra la historia de un músico de jazz, Fred Madison, y su esposa Renee. Su relación no pasa por su mejor momento y cree que su mujer lo engaña. Después es acusado de haberla asesinado.Por otro lado, se presenta una historia paralela que tiene como protagonista a un mecánico, quien sostiene una aventura con una mujer que le es infiel a su pareja y esta complejidad es característica del cine de Lynch. Esta cinta viene a demostrar porqué sus películas se catalogan como cine de culto. Si sus primeras obras destacan por su influencia surrealista, en este filme se adentra en un mundo en el que impera el subconsciente y los mundos paralelos. The Straight Story (1999) es una hermosa película en la que David Lynch da un vuelco a su filmografía con una historia basada en hechos reales.Su argumento gira en torno a un anciano personificado por Richard Farnsworthinterpretando el personaje de Alvin Straighten una sublime e inolvidable actuación, cuyo objetivo es recorrer más de 400 millas montado en un cortacésped para reconciliarse con su hermano. Es una película que contiene un lenguaje visual muy atractivo en la que el paisaje se convierte en protagonista. También destaca por tener una estructura sencilla que descubre una historia tan emotiva como esperanzadora. La película no es solo sobre la odisea del viejo Alvin Straight a través de las ciudades soñolientas y los distritos rurales del Medio Oeste, sino sobre las personas que encuentra para escucharlo y cuidarlo.Esta fue la segunda incursión de Lynch en el cine biográfico y la muestra perfecta de que puede dominar registros temáticos y formales muy distintos, dejando en claro que también es capaz de desarrollar argumentos sencillos, construyendo una película de alta calidad con pocos recursos. Por su actuación, Richard Farnsworth, de 79 años, se convirtió en la persona más anciana en ser nominada al Óscar a Mejor Actor Protagónico.

Mulholland Drive (2001) considerada por la crítica como su mejor filme. Tanto es así, que fue condecorada como la mejor película del siglo XXI en una encuesta realizada por la BBC. Betty Elms (Naomi Watts) es una joven que quiere ser actriz y llega a Los Ángeles con la intención de cumplir su sueñoy conoce a Rita (Laura Harring) una mujer que sufre amnesia.Aparentemente parece una historia común, sin embargo, el director la usa comobase para involucrar al espectador en un juego que supone una montaña rusa emocional al mezclar el mundo de los sueños y la realidad, llegando incluso a hacernos reflexionar sobre si lo que acabamos de ver forma parte de la realidad o del mundo onírico. La respuesta solo aparece al final de la película.Inquietante, oscura, enigmática, pero sobre todo ambigua y confusa. Estos adjetivos suelen ser utilizados para describir una de las obras maestras del cineasta; una película densa y difícil de resumir y de descifrar. Escrita y dirigida por David Lynch, le valió ser nominado como Mejor director en los Premios Óscar y Globos de Oro, además del triunfo en Cannes en la misma categoría. El filme, que se construye a partir de caricaturas oscuramente relacionadas con la trama, así como rupturas temporales y espaciales con escenas oníricas surrealistas, es la versión final de una obra que Lynch trabajó en 1999 como episodio piloto para una serie de televisión. Finalmente, los ejecutivos rechazaron la propuesta de Lynch y el director convirtió el proyecto en una película de larga duración llamada Mulholland Drive. David Lynch nunca reveló el significado del filme al reparto o al equipo de producción, lo que ha permitido que críticos y público desarrollen sus propias conclusiones, por lo que los análisis y explicaciones de la película abundan. Pese a toda lectura, la película que lanzó las carreras de Watts y Harring se resiste a ser enjaulada en una sola interpretación, lo que le da a la obra una multiplicidad que puede hacerla vigente en distintos tiempos y contextos y que no agota sus posibilidades de significado.

 
Las películas de David Lynch se caracterizan por presentar elementos surrealistas en su narrativa. El cine surrealista es conocido por mostrar imágenes con una fantasía onírica que plasman un mundo absurdo e ilógico, en donde la razón no puede dominar al subconsciente.Sabemos que estamos viendo una película de David Lynch cuando en algún punto de sus argumentos sucede algún evento que sería imposible explicarlo dentro de un punto de vista racional. La fantasía y la realidad formarán parte del mismo universo. El engaño, la culpa y la dualidad del ser humano serán otros temas recurrentes dentro de su filmografía. Debido a que sus películas tienen elementos oníricos en sus narrativas, sus personajes a menudo tienen cualidades sobrenaturales y generalmente son presentados como seres espirituales llenos de sabiduría que tienen mucha información que los protagonistas ignoran. Muchas veces su cine nos presenta a personajes con alguna deformidad física.Personajes femeninos complejos que tienen rasgos parecidos a la femme fatal serán indispensables en sus películas. Es un personaje cinematográfico que utiliza su encanto y físico para atrapar al protagonista de la historia y a pesar de que muchas veces pueden ser presentadas como personajes inocentes, en realidad son manipuladores y mortíferos.

 
También es normal que en sus películas los personajes femeninos sean el doble de otra persona con un aspecto físico similar, pero con una personalidad diferente. David Lynch a través de sus películas, intenta explorar la identidad femenina al presentar a personajes divididos con un código de moral totalmente distinto. Su cine está repleto de simbolismos que de alguna forma hablan del tema central de la película. Para hacer énfasis en este mundo surrealista, también los espejos son utilizados como un simbolismo de la identidad del ser humano. A su talento cinematográfico se pueden sumar el de fotógrafo y músico. No es secreta su relación tan fuerte con la música, pues Lynch suele hacerse cargo muchas veces de la musicalización y sonido de sus películas e incluso en las que no lo hace, colabora en la composición. Lynch quiere que sus películas transmitan emoción e instinto, y que cada persona se relacione con ellas y encuentre su propia comprensión. Como él mismo dijo: "La vida es muy, muy confusa, y por eso hay que permitir que las películas también lo sean". David Lynch es original y confiamos en que nunca dejará de crear belleza en la pantalla.