Trabajó en el cine, el teatro y la televisión.Los duros contrastes del Sur de Estados Unidosen la era de la Depresión, comparados con su educación neoyorquina le inspiraron la pasión por expresar las luchas contra la desigualdad, que están claramente presentes en las películas que dirigió, las cuales reflejan, como casi ninguna otra, una profunda e íntima visión humana de sus personajes y destacan por sus temas de conciencia social, que exploraban opciones morales y reflejaban su preocupación por las personas oprimidas racial, laboral y económicamente, convirtiéndose en conmovedores estudios de las relaciones humanas.

Martin Ritt, hijo de inmigrantes ruso-judíos, nació en Manhattan el 2 de marzo de 1914. Se graduó en el De Witt Clinton High School del Bronx y en el Elon College de Carolina del Norte. Empezó a estudiar Derecho en la St. John's University, la cual dejo para dedicarse al teatro.

En la formación de los dramaturgos, artistas, escritores y cineastas norteamericanos que se desarrollaron a partir de la década de los 30, s,entre los cuales se encuentra Martin Rittha y momentos fundamentales que marcaron sus vidas: La gran depresión y el “New Deal”, el GroupTheater, el mccarthismo y el desarrollo de la televisión.

Durante la gran depresión, Franklin Delano Roosevelt, creo el Proyecto Federal de Teatro (FTP; 1935-1939) que fue el mayor y más ambicioso esfuerzo para organizar y producir eventos teatrales. Fue un esfuerzo para dar trabajo a profesionales del teatro desempleados durante la Gran Depresión que siguió al crack bursátil de octubre de 1929. El Proyecto Federal de Teatro fue uno de losproyectos relacionados con las artes denominados Proyecto Federal Número Uno, creados en el marco de la Works Progress Administration (WPA) durante el primer mandato de Roosevelt. La WPA se creó el 6 de mayo de 1935 y funciono hasta 1939, cuando se puso fin a su financiación y en ese breve periodo, fue responsable de algunas de las puestas en escena más innovadoras de su tiempo.Aunque el objetivo principal del FTP era la reinserción laboral de los trabajadores del teatro que se encontraban en las listas de ayuda pública, incluidos actores, directores, dramaturgos, diseñadores, artistas de vodevil y técnicos de escena, también se esperaba que el proyecto diera lugar a la creación de un teatro tan vital para la vida de la comunidad que siguiera funcionando una vez finalizado el programa. El FTP empleó a unos 10.000 profesionales en todas las facetas del teatro con 1.000 producciones que se montaron en cuatro años en 40 estados, a menudo presentadas gratuitamente al público. Estas producciones incluían obras de teatro clásico y moderno, obras infantiles, espectáculos de marionetas, comedias musicales y teatro documental conocido como Periódico Viviente.

 
Otros proyectos incluían la producción de obras de dramaturgos estadounidenses jóvenes y desconocidos, el establecimiento del teatro negro estadounidense y la presentación de emisiones radiofónicas de obras dramáticas. Los inicios de las carreras de Orson Welles, John Houseman y Martin Ritt estuvieron relacionadas con el Proyecto Federal de Teatro.

Cuatro años antes del FTP, en 1931,tres jóvenes idealistas, Harold Clurman, Cheryl Crawford y Lee Strasberg, con la idea de transformar el teatro estadounidense crearon el Group Theater. Reclutaron a 28 actores para formar un conjunto permanente dedicado a dramatizar la vida de su tiempo. Concibieron el GroupTheatre como respuesta a lo que consideraban el anticuado entretenimiento ligero que dominaba el teatro de finales de los años veinte. Su visión era la de un nuevo teatro que montaría obras originales estadounidenses para reflejar, e incluso cambiarla vida de sus tiempos turbulentos. A lo largo de sus diez años y veinte producciones, no sólo alcanzaron estos objetivos, sino que alteraron para siempre el curso del teatro estadounidense.El enfoque de conjunto proponía un método muy personal y cooperativo. Ya no importaba que los actores interpretaran papeles individuales. Si los actores tenían relaciones fuera del escenario, las relaciones en escena no sólo parecerían, sino que serían más "reales". A medida que los miembros del elenco se iban conociendo, esta familiaridad se reflejaba con éxito en su trabajo.

No fue hasta que Clifford Odets, entonces actor del grupo, escribió “Waiting for Lefty” en 1935, seguida por “Awake and Sing!” en 1935 y “Golden Boy” en 1937", cuando encontraron su voz plena. Sus obras, de gran carga emotiva, expresadas a menudo en el lenguaje y las circunstancias de personajes de la clase trabajadora, reflejaban la esencia de lo que el grupo quería ser y hacer, haciendo realidad el sueño de un teatro que hablara a su público y para su público. Sin embargo, a finales de los años treinta, la cohesión del grupo empezó a desmoronarse, y en 1941 el grupo se disolvió. El Group Theatre ha sido calificado como el experimento más valiente y significativo de la historia del teatro estadounidense, y su impacto sigue haciéndose sentir. Muchos de los miembros del grupo se convirtieron en destacados profesores y directores de interpretación, transmitiendo a las generaciones posteriores el espíritu y los principios que les motivaron. Stella Adler, Lee Strasberg, SanfordMeisner, Robert Lewis y MartinRitt contaron entre sus alumnos, actores, directores y dramaturgos como Marlon Brando, James Dean, Paul Newman, Meryl Streep, Gregory Peck y David Mamet. Hoy en día, instituciones como el Actors Studio, fundado por Cheryl Crawford, Elia Kazan y Robert Lewis, continúan la tradición del Teatro de Grupo.

Posteriormente a finales de los 40,s y los primeros seis años de los 50,s vino la caceria de brujas del maccarthismo que alejo y veto a muchos artistas como a Martin Ritt el cual estuvo en la lista negra durante cinco años y se ganó la vida a duras penas dando clases en el Actors Studio y fue mentor de futuras estrellas como Paul Newman, Joanne Woodward, Lee Remick y Rod Steiger.En 1956, el "Miedo Rojo" empezo a desvanecerse y Ritt se dedicó a la dirección cinematográfica. Su primera película como director fue Edge of the City (1957), una película importante para Ritt y una oportunidad para dar voz a sus experiencias. Basada en la historia de un trabajador portuario intimidado por un jefe corrupto, la película es prácticamente una lista de temas que influyeron en Ritt a lo largo de los años: la corrupción, el racismo, la intimidación del individuo por el grupo, la defensa del individuo contra la opresión del gobierno y, sobre todo, la cualidad redentora de la misericordia y el valor de proteger a los demás del mal, incluso sacrificando la propia reputación, la carrera e incluso la vida si es necesario. Ritt dirigió 25 películas más, entre ellas clásicos como The Long, Hot Summer (1958), Hud (1963),The Molly Maguires (1970),The Great White Hope (1970), Norma Rae (1979) y Murphy's Romance (1985).

Martin Ritt es recordado como un director de actores, y dirigía su cámara como dirigía a los actores, con moderación, favoreciendo una técnica lineal y secuencial y evitando ángulos de cámara, planos y montajes llamativos. "No utilizo el zoom a menos que sea la única forma de entrar en una escena", dijo en una ocasión.Además de mostrar un apasionado compromiso con las cuestiones sociales, la obra de Ritt representa una sostenida exploración del mito americano y del carácter nacional estadounidense. Su obra articula el ideal comunal y agrario y su perversión a medida que el industrialismo y el urbanismo han desnaturalizado el paisaje. Abarcando cien años de vida americana, sus películas siguen al hombre común a través de la cronología de su historia social, incluyendo la llegada de los ferrocarriles al Oeste, la minería del carbón en la Pensilvania del siglo XIX, el ascenso de Jack Johnson como primer campeón negro de los pesos pesados en boxeo, la lista negra de la televisión, el espionaje y la Guerra Fría, los sindicatos y la guerra de Vietnam. Rittnunca se consideróparte del llamado cine de autor, porque era un gran creyente en la colaboraciónque lo obtuvo de su trabajo con Odets y el teatro de grupo, que hacía hincapié en la colaboración del grupo.No quería hacerse notar en sí mismo a expensas de los escritores, de los directores de fotografía, los directores de arte, los actores, y por eso nunca en sus películas estaba su nombre por encima del título.

Después de "Edge of the City" (1957), dirigió a Paul Newman, Patricia Neal y Melvin Douglas en la oscarizada "Hud" (1963), a la que siguieron "El espía que surgió del frío" (1965), "Los Molly Maguires" (1970), "La gran esperanza blanca" (1970), "Sounder" (1972) y "Conrack" (1974). Dirigió la película "The Front", protagonizada por Woody Allen, en la que con un fino humor negro y una despiadada ironía relataba sus años en la lista negra (y los de otras personas relacionadas con la película). Guió a Sally Field en su interpretación de Norma Rae (1979), ganadora de un Oscar. Otros créditos incluyen "Murphy's Romance" (1985), "Nuts" (1987) y "Stanley and Iris" (1989).Los años sesenta fueron la década de los logros más sostenidos de Ritt. Este periodo culminó con su obra maestra, The Molly Maguires, quizá la mejor película jamás realizada sobre el tema laboral en Estados Unidos y su grandeza reside en el complejo entrelazamiento que Ritt hace del amor y la amistad, la lucha obrera, la historia del sueño del inmigrante y el ideal de la movilidad ascendente. Ritt no era un gran estilista.

Él estaba más interesado en la historia y en el desarrollo de sus personajes que fueron su prioridad sobre los métodos cinematográficos y el hilo que une todas sus películas es su conciencia social como consecuencia de que sus padres eran inmigrantes y él creció con un sentimiento y sensibilidad de inmigrante por ser una especie de forastero y luego el estar en la lista negra del maccarthismo lo radicalizó porque esefue un proceso irracional. Las películas de Ritt son siempre muy complejas porque sus personajes no son figuras en blanco y negro. No son portavoces políticos. Son perseguidos por sus creencias políticas.

A pesar de ser un Directorde denuncia, Ritt trabajo bien con el “Studio System”, porque a los productores les gustaba, sus películas no costaban mucho y fueron rentables. Terminaba sus películas a tiempo. Trabajaba bien y le gustaba la seguridad del sistema y que le daba trabajar para el estudio en lugar de correr los riesgos financieros que corría por su cuenta. A los actores les encantaba trabajar con él y sus actores consiguieron múltiples nominaciones al Oscar, por lo que estaba bien considerado en el sistema.

Su gran película sobre la injusticia racial es Sounder, filmada al aire libre con un gran lienzo espacial. Al mismo tiempo que es muy íntima, la película se centra en la familia y es extremadamente realista.Ritt era excelente en la obtención de los detalles de la forma en que vivía la gente, especialmente la gente más pobre de la clase trabajadora. Ritt era muy duro a la hora de analizar el racismo en la sociedad estadounidense y el modo degradado en que vivian y se veian obligadas a llevar sus vidas. Pero al mismo tiempo abogaba por la educación y la dedicación de la familia, el amor de la familia entre sí, la empatía que tienen por la educación y por salir adelante en la vida plantean la película en una dirección de futuro y optimista. Rodaba en exteriores y sus ambientaciones eran insuperables. Los detalles del drugstore en Murphy's Romance, de la librería, del bar y del set de grabación en “The Front”, del Ranch en HUD, son insuperables.

Así como trato la injusticia racial, también se ocupó de cuestiones y reivindicaciones laborales en dos grandes películas: The Molly Maguires (1970) y Norma Rae (1979),esta última, unenorme éxito con una magistral actuación de Sally Field que le valió un premio Oscary le dio la vuelta a su carrera cinematográfica. Norma Rae consiguió impulsar el debate sobre estos temas. The Molly Maguires trataba sobre el sindicalismo y la explotación de los trabajadores. Norma Rae no es una película pro-sindicalismo, es sobre la evolución de Norma Rae como una mujer sureña que sólo intenta llegar a fin de mes y no piensa muy seriamente en temas sociales ni en nada más quelidiar con su familia y tratar de encontrar la vida amorosa para sí misma. Y luego se convierte en una lectora del Gales Dylan Thomas y de otros tipos de literatura y se convierte en una activista sindical. Despedida tras iniciar una lucha por sindicalizar a sus compañeros, la película refleja el destino de muchos trabajadores en que la vida transcurre de la casa al trabajo y del trabajo a la casa. Teniendo como único pasatiempo la juntada en el bar a tomar alcohol para ahogar las penas o simplemente pasar el rato en una pelea de borrachos. Norma Rae pierde a su esposo como madre soltera, vive en la casa de sus padres, quienes también trabajan en la fábrica textil, único lugar que ofrece puestos de trabajo en el pueblo.Norma no encaja con los estereotipos patriarcales de mujer y madre abnegada de un pequeño pueblo de Carolina del Norte y transita su camino lo más libre que puede sin que los prejuicios la afecten. Podemos pensar que su personalidad fuera de cualquier molde impuesto la haya llevado a cuestionar la realidad vivida como mujer y obrera. Numerosas escenas nos introducen en la cotidianeidad fabril, totalmente insana e insoportablemente ruidosa, con máquinas que marcan el ritmo de tareas repetitivas y monótonas, con dobles turnos establecidos de forma arbitraria. El escenario hostil de trabajo se visibiliza a tal punto que pareciera que estuviéramos allí mismo como un trabajador más. Norma, vivencia todo esto con la sordera de su madre y también con la muerte de su padre, producto de un infarto causado por el estrés laboral. En la película se observa cómo se organiza un sindicato desde abajo, sin intereses personales, más que combatir el avasallamiento de los jefes.Norma Rae no solo describe las malas condiciones de trabajo y los abusos patronales, sino que también da cuenta del avance en la conciencia de los trabajadores que empiezan a reclamar en forma conjunta por sus derechos laborales. Es una película moralizadora que invita a cuestionar la degradación en ese Mundo laboral. Con razón, Sally Field expresa que su interpretación no solo la hizo crecer como actriz, sino como ser humano.

Sally Field da una gran actuación y es un testimonio de la forma queRitt fue con los actores.En Norma Rae la ambientación es inmejorable, el ambiente de la clase trabajadora, la casa de los padres de crianza normal, la casa que comparte con el personaje de Beau Bridges después de casarse. La fábrica y su atmósfera. Los exteriores de la película, las escenas en las que Norma Rae y Reuben nadan en un arroyo. Son películas realistas, naturalistas, de clase trabajadora.

Murphy’s Romance (1985), es una película deliciosa y muy entretenida. De nuevoSally Field es maravillosa. Es muy realista en su entorno, el drugstore que posee James Garner tiene el aspecto que se supone que debe tener. Incluso la forma en que prepara un helado. La relación entre los personajes es tan real y conmovedora. Y de nuevo, los personajes son tridimensionales. Su romance florece y crece y es una película muy vivida y sin esfuerzo.

Ritt trabajo con grandes guionistas como: Irving Ravetch, Harriet Frank Jr., Arthur H. Lewis y Walter Bernstein, también con grandes directores de fotografía como:John A. Alonzo y James Wong Howe, yDirigió a 13 actores diferentes en interpretaciones nominadas al Oscar: Melvyn Douglas, Paul Newman, Patricia Neal, Richard Burton, James Earl Jones, Jane Alexander, Paul Winfield, Cicely Tyson, Geraldine Page, Sally Field, RipTorn, AlfreWoodard y James Garner. Neal, Douglas y Field ganaron el Oscar por sus interpretaciones en una de las películas de Ritt.

Martin Rittmurió en diciembre de 1990 en Santa Monica, California. Rittes recordado como un director de actores, y los numerosos premios de la Academia y las nominaciones a los premios de la Academia obtenidos por aquellos a los que dirigió, son testimonio de su capacidad para guiar una y otra vez a los actores hacia interpretaciones extraordinarias. El hecho de que su obra careciera de una firma -más allá de su característica celebración de la dignidad humana- puede reflejar su compromiso con su estética basada en el teatro de grupo y con la noción de que lo que debe recordarse de una obra de arte es el arte, y no un solo artista.